一

　　上海，作为中国现代主义的发源地，在20世纪艺术的历史进程中，显示出其特殊地位和重要意义。它是唯一一座现代主义从未中断的城市。一批又一批具有探索精神和革新勇气的艺术家，构成20世纪中国现代主义的海上繁花。
　　1979年2月11日，上海黄浦区少年宫举办了《十二人画展》，这个自发的展览宗旨是“探索、创新、争鸣”。展出的作品带有明显的西方早期现代主义艺术的风格特征。是新中国成立以来第一个具有现代色彩的美术作品展，其突破性、开拓性和划时代意义，成为中国现当代艺术史上一个非常重要的展览而被历史铭记。27岁的黄阿忠参加了这个展览，而且是年龄最小的一位。正是这个具有探索性的展览，成为黄阿忠日后在艺术道路上一个重要的分水岭。
　　1990年之后，黄阿忠的画面上出现不同的表现形式，体现出他在造型上的深厚功力，展现出他将历史感与当代性融会贯通的追求。以大时代观体察社会现实的丰富情境，把对历史与现实的关照转换成一种饱满的精神状态。由此体现出深度的思考和全面的学养。重要的是，在他的作品中，总是有他的身影出现——他努力使自己成为社会转型中的在场者，使画面流露出一种上海独有的都市美学特征。多少年来，他仍以写实资源为起点，对传统资源的兼容了无顾忌，于是就有了个人的机变——造型组合、变化穿插，对画面的掌控与变化，体现出一种少有的个人才情。
　　黄阿忠的绘画观念多极而综合，具有鲜明的时代特征。他在各种新旧媒材之间往来无任何障碍而且专精；所追慕的美学，传统与现代交融、富力宏大，尤其是对现代主义艺术在形式上的追求，严整而奔放，交错有致，其情感立场，眼界与胸襟，瞄准世界与现代；这原本是几代中国艺术家与国家意识形态相契合的理想，但在数十年曲折的文化情境中，不断遭受挫折。好在艺术家精力旺盛，天性达观，富于想象力和创造力，在“现实”与“真实”之间不断探索，纯绘画教养豁然开启，几十年过去，积累出大量作品，尤其是那些游览天下的写生，量质丰盈，元气淋漓，展示出惊人的才能与个人功底。这其中，有关照的主动，手法的提炼和气势的完满。

二

　　作为一位资深的艺术家，黄阿忠始终沿着不同的问题方向，展开了多种并行的思考与实践。他在“有意味的形式”的探索中，不再停留在艺术对时间、空间和关系等问题的探索，而是涉及到绘画形式与哲学、传统与现代等诸多问题的关注上，在不断的演变中蜕变为一种“自由生长”的生命状态。尤其是在不断更新对规则的设立与挑战中，打破对视觉形式、观念和体验的固有认知，在“限制”中建立和创造了一种新的艺术生成机制。在这个过程中，艺术家将个人身份与时代立场在作品中紧密结合，在真实的生活经历和情感体验中形成自己独特的观察视角，在与现实和经典的对话中不断升华个人的绘画路径，不断尝试增加绘画的丰富性和独特性，以及解读层次，由此拓宽了方寸间的表达。
　　黄阿忠生于上海长于上海，所以，他与这座城市有了一种千丝万缕的联系，城市的街道、立交桥、高楼大厦、现代化的工厂，还有家庭的客厅、卧室、餐桌、厨房等，在他的笔下构成一种“有意味的形式”——色彩、线条以及画面上相互作用的关系等，它们作为一种纯粹的形式在他的作品中直接呈现出来。这其中，有他对被现代化覆盖了的城市的深切怀念，但现代化的日新月异又令他亢奋和难以平静，尤其是在强大的现代美学的包围和挤压之下，那种“有意味的形式”唤起艺术家的审美情感，以及对世界的相关体验——他以纯粹的形式美折射出这座城市剧烈变化。在城市的另一端，艺术家走进郊外的田野和乡村，在那些与喧嚣和繁华构成鲜明对比的宁静中，我们仿佛置身于水乡小镇，走进阳光下小桥流水人家，那些老墙、土屋、老街的石板路上，感受到一种难以捕捉的梦境。事实上，他非常在意那些长期被忽略的景色和角落，这是他敏感的一面，也有其情感深入的眷恋。并以个人的想象力和穿透力，准确表达了崭新的时代情绪，成为一个社会转型时期的见证者和记录者。

三

　　黄阿忠的作品是形式的某种重组，他以对现当代图像世界的敏感——无论是纵横交错的线，还是四平八稳的块面，那些极富形式感的构成关系，形成一首交响乐章，有时压抑而令人窒息，有时舒展如万里晴空，构成某种特殊的视觉效果。由此表达了艺术家在社会转型时期的态度与立场，体现出一种生命的解放和解放的生命。因为，黄阿忠懂得，倘若一个艺术家失去了以陌生的眼光看待事物和看待自我的能力，那么他就会失去创造的能力。事实上，黄阿忠的作品就是一个动态的媒介，景与物就像视觉转换的场所，也是文化权利以及身份形成与确定的焦点。在传统的绘画技法之外，在情感与象征之间、在部署和概念之间机动变化。他的才能在于能够将传统与现当代的图像视为一种生态系统，并将它们放在化合与转换的过程中去解释，从而消弭了传统图像形式与现当代图像符号之间的差异，使得物质的状态和主观的状态在这种组合中，形成一种诗意的关联。从这个意义上说，他使自己从传统画家转变成一名当代艺术家。
　　黄阿忠的绘画——无论是油画还是水墨，本质上有一种观念与表现手法上的革命。法国画家夏尔丹曾经说过：“我只画眼睛看到的东西。”德国画家克利说过：“我只画心灵感受到的东西。”对黄阿忠来说，无论眼前呈现什么，他只是专注于书写自己“心中的景象”。特别是在他的那些“静物”系列作品中，大量的日常物品被重新排列并加以组合，形成一种错乱和令人不安的视觉景观，由此引发观者对自身生存状态和生存处境的思考。
　　对于黄阿忠而言，无论是江南的空山新雨、繁华的街景和静物等，本身并非描摹的内容，相反，像是一种活的媒介，如画布和色彩的延伸，将他对世界的理解和认识、对生活的感受全盘托出。于是我们发现，那些我们熟悉的甚至经常被漠视的场景，在他的笔下突然鲜活起来，尤其是画面中的色彩、线条和笔触，以特有的节奏换发出生活的另一种姿态——简洁、明快、奔放、舒展、赏心悦目。让我们猛然感觉到，心中的景象一旦被释放，必将历久弥香。

四

　　黄阿忠是一个在多元语境中融合中西的探索者和实践者，油画创作追求的“写意”，水墨创作追求语言的“诗意”。正是由于他对油画的专注与水墨的一往情深，就使得“西方的色彩与东方的笔痕交汇于衍生，在这里成为一种心灵的写意，在这里也成为一种形式的寄托”。
　　多少年来，黄阿忠在画布上肆意挥洒，以奔放有力的笔触和手法，解构了经典油画的形象，尤其是对艺术真实性的质疑，构成对艺术本质的挑战与深刻反思。他所创作的一种极具表现力的视觉语言，使绘画的表现潜能得以充分释放，为现当代绘画的发展提供了新的可能性。从这个意义上说，我更愿意将他的那些风景看做是“社会风景”，而将那些静物看做是具有哲学意味的“社会静物”。
　　此时，年过七旬的黄阿忠，早已走出了对艺术的意义追问而进入到对艺术问题的解决之中。他非常清楚，真正的风格，就是借助于各种媒介与材料，表达自己对世界的独特理解和感受。事实上，当代艺术的主要动力是观念上的创新，使对既定的艺术模式进行有条不紊的分析与修正。当代艺术需要的是一种抽象、逻辑的思维方式，这种方式能带给艺术家一种鞭辟入里和训练有素的目光，艺术家与以往的文化事实之间的关系也由此发生改变。

刘淳