——我的艺术创作点滴

墨缘

　　我自小便爱涂画，出生在山西太行山深处的马牧村，那山川的沟壑褶皱，原是大自然最本真的笔墨。闲暇时便立在山岗上，望着全村的屋舍田畴卧在青峦环抱里，云气漫过檐角，风携着草木的气息掠过耳畔，那时心里便揣了个一个念想：要把这眼前的清欢，全盘画下来就好了。
　　后来二哥考入师范，学了美术，我便常凑在他身旁，从那些画册里，初识了写意山水和工笔人物的魅力，也触到了中国传统绘画的衣角。尤以齐白石先生的水墨花鸟为念，几笔淡墨便藏着生机，几只青蛙、几条昆虫，都透着烟火里的意趣。我在无人指点的情况下，便凭着一腔热忱临摹起来，纸页堆了厚厚一叠，指尖沾着墨痕，倒也觉得满心欢喜。
　　真正初入艺术之门，是到了省城太原。得山西大学美术系诸位先生亲授，才开始系统地研习素描、色彩与创作，一步步褪去往日的野趣，扎下造型的根基。1996年考入山西大学师范学院油画专业，旁人看来是离了国画的路，我却渐渐懂得，艺术本是殊途同归。大学数年，中西绘画的养分一并汲取，造型的功底在一笔一画中沉淀，形式语言也愈发丰富。彼时授课的先生，多是省内乃至全国闻名的画家，如今回想，当年练下的控笔功夫、对色彩的体悟、对美术史论的研读，都如春雨润物，悄悄滋养着日后的国画创作。
　　毕业后在一所大专院校教美术，常携了画具重回太行山写生。荆浩在《笔法记》里说“搜妙创真”“度物象而取其真”，从前只当是句画论，亲身体验后方知其中深意——唯有沉下心来观自然、察物态，方能将心中之意，化作笔下之象。山风里的草木、晨雾中的山石、溪涧里的流云，都在写生时化作灵感，落在纸页上，便有了温度。2014年，幸得山西大学李德仁教授赏识，在先生的悉心点拨下，我索性全心投入中国传统绘画的研习，尤对历代皴法下了苦功。从那时起，对笔墨笔法的考究、对历代画风的揣摩，都不敢有半分懈怠，也总算为日后的创作，打下了几分扎实的根基。

对水墨山水画的认识

　　2018年，赴中央美术学院做访问学者，师从中国画学院院长丘挺教授。丘先生的传统水墨功底极深，画风自成一格，在画坛影响甚广。在央美的日子，像是推开了一扇通往传统的窗，我循着中国绘画的脉络溯源，尤对宋元时期的名作反复临摹。一笔一画追摹古人的运笔、墨色的浓淡枯湿，那些沉睡在画册里的笔墨，渐渐在指尖有了鲜活的意趣，也让我对传统绘画的理解，多了几分通透。
　　倾注在传统笔墨里久了，又读了不少名家传记，便发现一个寻常道理：但凡成大家者，都曾走过一段瓶颈期。过分拘泥于传统的程式，反倒会困在“古人之迹”里，失了自我。“师古人之心，而非止于师古人之迹”，我渐渐学会以批判的眼光看待这份厚重的传统，不再执着于某宗某派的技法，而是试着贯通古今、兼容中西。艺术本不该是闭门造车的营生，多元的文化滋养，方能让内心的意趣自由生长。那些对传统水墨的机械重复，不过是惰性的遮掩，我便想着，在传统的根基上，做些属于自己的尝试。

对艺术形式及笔墨的理解

　　如今落笔创作，心思多放在水墨山水画的艺术形式上。这个理念得益于画家王晋华先生与我长期谈论研讨的话题，艺术创作原是有共通的规律，无论中国传统绘画还是西方绘画，都离不开画面的章法布局，那份构成的美感，便是画面组织的灵魂所在。中国传统绘画讲气韵心境、笔墨结构，西方绘画则重科学理性与情感交织，二者虽路径不同，却殊途同归。
　　物象的形态，本是天地造物的馈赠。山石嶙峋、溪流婉转、草木婆娑，该以何种姿态落在纸上，轮廓曲直、朝向明暗、走势缓急，都牵动着画面的平衡与韵律。好的水墨山水，从不是《芥子园画谱》里物象的随意拼凑，它该有一种无形的力量，牵引着观者的视线——无论从何处入目，都能循着这份力量，走进画面的深处，读懂画家藏在山水间的心事。若剥离了画面的整体意境，单是物象的形态、笔墨的抽象、平衡的拿捏，也能让人品出几分意趣，便算得上是佳作了。
　　画面的布局，最讲主次分明。谢赫在“六法”中说“经营，位置是也”，晋代顾恺之亦有“置阵布势”之说，可见位置的经营，原是传统山水画的要义。我近年创作，多偏爱非对称的平衡——大物象与小物象的错落，繁复与简约的呼应，方能生出丰富的层次。寻常说来，靠近画面边缘的物象，视觉上便添了几分分量，一枚边角的小石，亦可与中心的山峦形成平衡；复杂的形态较之简单的轮廓，又多了几分厚重，这般细微的考量，都藏在落笔之前。
　　我作画，从不刻意追求写实与形似。写实多是对物象的客观描摹，少了个人心境的投射，纵是技法独到，也难见思想的深度。白石先生说“妙在似与不似之间”，我深以为然，唯有先守住画面的完整性，再琢磨物象的丰富与调整，方能藏意于笔端。
　　我素来爱写生，恰时加入王学辉名家工作室，王学辉先生原是山西省美术家协会主席、山西画院院长，工作室成员多来自省内青年画家，我们共赴太行山里写生数月。山里的晨光暮色、云雾流转，都一 一印在心上。看遍了山川的万千姿态，心中便有了一方理想化的山水天地，落笔时，不过是将这份心中之景，从感知化作笔墨，所以我的太行系列作品里，总裹着家乡的暖意与心底的归属感。
　　着色上，我常念及冷暖的呼应。多年研习油画的经历，让我对色彩的理解，多受后印象主义画家塞尚的启发——他笔下的色彩、光线与色调，藏着大胆的想象，那些看似不真切的色彩对比，反倒能触达精神的深处，让画面生出几分戏剧性的张力。画面是要营造和谐的温润，还是动荡的意趣，都能借着色彩调和。从油画到国画，我并未固守传统国画的色彩范式，而是将颜料随心调和，为画面所用。是强对比显生机，还是弱对比求温婉，全凭画面的意境所需。大面积色调中若添一抹冷暖反差，便如枯枝抽芽，让整幅画都活了过来。暖色较之冷色，更显厚重，一点鹅黄，亦可与大片深蓝相抗衡；暖色近、冷色远，恰当的色彩运用，既能生出明暗冷暖的层次，又能拓宽画面的纵深感，让观者在笔墨间，读出更多意趣。
　　画面贵在意气贯通，笔墨需有收有放。用笔讲究提、按、重、转、疾、徐、顿、挫，一笔之间，藏着万千变化；技法上借点染皴擦塑造立体，线条有虚有实，结构线的清晰，从不是一味的实线勾勒，需留有余地、藏有活口。中国画最讲“气”的流转，整体布局唯有气脉相连，方能生出韵味。宗白华先生说：“气韵，就是宇宙中鼓动万物的‘气’的节奏、和谐。绘画有气韵，就能给欣赏者一种音乐感。”这话恰合我心——我的笔墨、皴法、写形、设色，都如乐谱上的音符，有轻重缓急，却又浑然一体。韵律原是艺术的共通语言，音乐的节拍、舞蹈的身姿、诗歌的平仄，都藏着这份节奏之美，情感的起伏，便在这交替变化中悄然生发。于视觉艺术而言，韵律生于元素的规律循环与变化，我便循着这份规律落笔，将心底的情愫，藏进笔墨的节奏里。
　　近来又归了太行山脉，山间的丘壑、林中的草木，似在轻声诉说着我寻觅已久的艺术理想——不过是找回内心的本真。“外师造化，中得心源”，古人的箴言，在此时有了真切的回响。我如今的笔墨，不再执着于描摹太行的表象，而是试着挣脱具象的束缚，抓住物象的本质，以“境与意会”，诉说对自然的理解与热爱。

郝志刚